Der Stand der modernen Musik

Die heutigen Praktizierenden dessen, was wir einst “moderne” Musik nannten, sind plötzlich allein. Jedem Musikmachen, das für seine Entstehung die Disziplinen und Werkzeuge der Forschung benötigt, steht eine verwirrende Gegenreaktion gegenüber. Jetzt kursieren Geschichten, die diesen lästigen Trend verstärken und verstärken. Es war einmal so, dass man sich nicht einmal einer großen Musikschule in den USA nähern konnte, wenn man nicht gut vorbereitet war, die Gebote und Grundsätze des Serialismus zu tragen. Wenn man jetzt von Professoren hört, die schamlos Partituren von Respighi studieren, um den Zauber ihres Massenpublikums zu gewinnen, wissen wir, dass es eine Krise gibt. Diese Krise existiert in der Wahrnehmung selbst der gebildetsten Musiker. Komponisten scheinen sich heute vor gewissen schwierigen Wahrheiten über den kreativen Prozess zu verstecken. Sie haben ihre Suche nach den Tools aufgegeben, die ihnen helfen, wirklich beeindruckende und herausfordernde Hörerlebnisse zu schaffen. Ich glaube, das liegt daran, dass sie über viele Begriffe im modernen Musikmachen verwirrt sind!

Betrachten wir zunächst die Haltungen, die für die Entwicklung besonderer Disziplinen zur Schaffung einer dauerhaften modernen Musik erforderlich sind, die jedoch aufgegeben wurden. Diese Musik, die wir erschaffen können und müssen, stellt einen Schmelztiegel dar, in dem die Magie in unseren Seelen gebraut wird, und sie bildet die Vorlagen, die unsere Entwicklung im kreativen Denken leiten. Es ist dieser generative Prozess, der in den frühen 1950er Jahren seine Blütezeit hatte. In den 1960er Jahren waren viele aufstrebende Musiker von den Wundern der frischen und aufregenden neuen Welt von Stockhausens integralem Serialismus begeistert, der damals in Mode war. Da schien die Aufregung grenzenlos zu sein. Es schien, als wären dem kreativen Impuls keine Grenzen gesetzt; Komponisten konnten alles tun, so schien es zumindest. Zu dieser Zeit hatten die meisten Komponisten den Serialismus nicht sorgfältig auf seine inhärenten Grenzen untersucht. Aber es schien so frisch. Es stellte sich jedoch bald heraus, dass Stockhausens spannende musikalische Herangehensweise frisch war und weniger die Serialität selbst, mit der er dann verheiratet war. Später wurde klar, dass die von ihm verwendeten Methoden aus zwei besonderen Überlegungen entstanden waren, die letztendlich über serielle Geräte hinausgehen: das Überqueren von Tempi und metrischen Mustern; und insbesondere das Konzept, das Tonhöhe und Klangfarbe als Sonderfälle des Rhythmus behandelt. (Stockhausen bezeichnete die Übergänge als “Kontakte”, und er nannte sogar eine seiner Kompositionen, die diesen Bereich erforschten, Kontakte.) Diese Gesten sind, wie sich herausstellt, wirklich unabhängig vom Serialismus, da sie aus verschiedenen Ansätzen erkundet werden können.

Der spektakulärste Ansatz zu dieser Zeit war jedoch der Serialismus und nicht so sehr diese (damals scheinbaren) Seitenlichter. Es ist jedoch genau dieser Ansatz – der Serialismus –, der, nachdem er scheinbar so viele neue Türen geöffnet hatte, die Saat für den eigenen Untergang der modernen Musik keimte. Die Methode ist sehr anfällig für mechanische Weissagungen. Folglich macht es die Komposition einfach, wie das Befolgen eines Rezepts. In der seriellen Komposition kann der weniger nachdenkliche Komponist scheinbar seine Seele vom Kompositionsprozess ablenken. Inspiration kann begraben werden, da die Methode die Oberhand hat. Die unordentlichen Feinheiten der Notengestaltung und die Offenbarungen, die man durch die notwendige Partnerschaft mit seinen Essenzen (im Geist und der Seele – in gewisser Weise unseren Vertrauten) erfährt, können bequem abgelegt werden. Alles ist auswendig. Alles ist unterteilt. Lange Zeit war dies die ehrenvolle Methode, die von Klassenlehrern und angehenden Komponisten, zumindest in den USA, gleichermaßen lange geheiligt wurde. Bald entstand ein Gefühl von Sterilität in der musikalischen Atmosphäre; viele Komponisten begannen zu untersuchen, was geschah.

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